Tres largos años han pasado desde que en el 2005 el grupo Klimt 1918 sacara su último disco, Dopoguerra, el cual ya he recomendado en varias ocasiones. Ahora, la banda vuelve con un nuevo trabajo el cual acojo con grandes ganas tras este largo periodo.

Bajo el nombre “Just In Case We’ll Never Meet Again” y con un subtítulo bastante llamativo que aparece debajo del título de la carátula, “Soundtrack For The Cassette Generation”, lo que más me ha llamado la atención es un sonido bastante ¿emotivo?. La verdad es que no sabría como definirlo exactamente, pero cuando le pongo ese adejtivo, me quiero referir a que las canciones que componen el álbum destilan sensaciones y recuerdos de tiempos pasados que, según dicen, fueron mejores. Supongo que lo de “Banda sonora para la generación del casete” (en la cual me incluyo, ya que yo nací después del vinilo y antes del CD) tendrá algo que ver con esta idea que escribo aquí.

Tengo la sensación, y hablo con respecto a su anterior disco, que ahora han introducido más momentos de de “guitarreos”, cosa que agradezco. Parece que se han lanzado a hacer más cambios de ritmo y que, además, ahora las canciones suenan más “cañeras”. Eso sí, sin faltar esos temas lentos (que en el Dopoguerra corresponderían a canciones como la de “Nightdriver”) como el de “The Graduate”, que se han convertido en sello de este grupo.

La salida oficial de este “Just In Case We’ll Never Meet Again” se producirá el 23 de Junio en todo el mundo, tres días antes en Alemania y un día después en Estados Unidos. Se venderá en Digipack, CD, y Casete (sí, también en éste último, por sorprendente que os pueda parecer).

01 The Breathtaking Days (Via Lactea) (03:40)
02 Skygazer (04:45)
03 Ghost Of A Tape Listener (04:39)
04 The Graduate (05:58)
05 Just An Interlude In Your Life (05:28)
06 Just In Case Well Never Meet Again (03:47)
07 Suspense Music (04:02)
08 Disco Awayness (04:07)
09 Atget (04:56)
10 All Summer Long (04:34)
11 True Love Is The Oldest Fear (04:15)

Enlace #1, Enlace #2.

El próximo 5 de mayo se pone a la venta el tercer álbum de El Columpio Asesino, aunque la banda ha tenido la genial idea de ponerlo en su myspace para que podamos escucharlo.

Este disco parece más relajado que sus dos predecesores. No digo yo que eso sea malo, en absoluto, pero sí que he echado en falta un tema, o dos, con algo más de “marcha”, pero también se puede pensar que para eso ya tenemos los otros dos discos que sí incluían temas de estas características. También ayuda a esta sensación el hecho de que hay una mayor presencia de voz femenina en las diez canciones que componen este nuevo trabajo.

Si hay un estilo de música llamado rock progresivo, yo haría uno, si es que no lo hay ya, para este grupo y lo llamaría “indie progresivo”. Y es que si por algo se caracteriza este grupo, y es una señal de identidad que no ha perdido en “La Gallina”, son sus canciones progresivas, algo que, sin duda, me gusta mucho.

Por otra parte, las letras siguen en su línea. Renglones psicodélicos en los que a veces parece que conforme se van grabando las canciones están improvisando y van diciendo lo primero que se les pasa por la cabeza. También siguen habiendo referencias a personajes de la Biblia.

Respecto a la parte instrumental del sonido de este disco, cabe destacar que el uso de los teclados y efectos electrónicos siguen siendo geniales, esto es algo que me enganchó al grupo cuando lo descubrí hace ya bastante tiempo. No creo que haya que ponerle “peros” a esto.

En definitiva, “El Columpio Asesino” se afianza así y termina de asentarse con este nuevo trabajo del cual recomiendo más de una primera escucha para sacar conclusiones ya que, personalmente, la primera vez me dejó un poco frío. Eso sí, ahora cuanto más pasadas le hago más me agrada.

1. Cenizas
2. El destacamento
3. La marca en nuestra frente es la de Caín
4. Moscas
5. Yo soy tu hombre
6. México
7. Aleluya
8. Dolores Trespinos
9. Un arpón de grillos
10. No tienes que decirme nada

El Columpio Asesino - La Gallina.

El pasado 29 de Febrero me desplacé, en buena compañía, a Madrid para asistir al concierto de The Mars Volta en su gira de presentación de su disco “The Bedlam in Goliath“. La alineación de los componentes fue la misma que en su día grabaron el álbum y que fueron elegidos por los cerebros del grupo, Omar Rodríguez López y Cedric Bixler Zavala: Juan Alderete (bajo), Ikey Owens (teclados), Marcel Rodríguez López (percusión), Thomas Pridgen (batería), Adrián Terrazas (saxo y vientos) y Pablo Hinojos González (segunda guitarra).

En la misma sala de “La Riviera” me enteré de que no habría teloneros en ese concierto y empecé a pensar que sería porque se podría retrasar y nos tocaría una eterna espera. Lejos de ello, el espectáculo comenzó puntual, a las 20.30 horas, con un ritmo avasallador desde el primer minuto. Dieron rienda suelta a una especie de rabia contenida que les hacía parecer esquizofrénicos desde la primera nota de “Roulette Dares (This is the haunt)“, tema de su primer disco y que eligieron para levantar el telón. Dado a la afición de esta banda a improvisar y a extender los temas, difícil era apreciar cuando una canción acababa realmente y comenzaba la siguiente.

El concierto continuó con “Viscera Eyes“, y me alegré de que llegara un tema así tan pronto, ya que tenía curiosidad por ver como sería una canción con la letra entre el español y el inglés cantada en directo y poder escuchar la pronunciación de Cedric en nuestro idioma.

A la tercera fue la vencida y fue cuando pudimos escuchar un tema del último trabajo de la banda. El elegido fue “Wax Simulacra“, en el cual empecé a observar más atento al batería, de sólo 20 años. Es difícil comprender como con ese derroche de energía y con esa bestialidad con la que tocaba, podría estar en perfectas condiciones para dar otro concierto al día siguiente en Barcelona. Al igual que en su disco, seguidamente se dio paso a “Goliath“, sin que se llegase a apreciar el cambio de canción. En la segunda parte de este tema se produjo una mezcla de falsetes impresionantes de Cedric y la guitarra de Omar unidos al incasable batería. Creo que fue el primer momento de descontrol total de la banda sobre el escenario en la noche, con los ya míticos juegos de micrófono del cantante. Sin respirar se arrancaron con “Ouroboros” para terminar por su primer paso sobre “The Bedlam in Goliath” al que más tarde volverían.

Veinte minutazos de “Amputechture” vinieron gracias a “Tetragrammaton“. Minutos con cambios de ritmo, improvisaciones, movimientos inesperados… que parecía que aquella canción jamás vería su fin. The Mars Volta en toda su esencia y sello que los caracteriza.

De vueltas a su último trabajo, y hago hincapié en él porque la gira tuvo como objetivo presentar el mismo, se lanzaron con “Agadez” para, seguidamente, dar paso al gran “Frances de Mute” con “Cygnus….Vismund Cygnus“, otro de los largos y que está entre mis favoritos. La verdad es que estas canciones con sus partes en español tenían que ser interpretadas en nuestro país más que en otros y ellos eran conscientes y así lo hicieron.

“Aberinkula” y “Drunkship of Lanterns” fueron el preámbulo a un momento muy especial en la noche, del que hablaré unas líneas más abajo. Si no llegan a tocar la primera me hubiera ido del concierto con una espinita clavada. No es que sea la canción del siglo, aunque me parece muy buena, pero le tengo especial cariño y además me encanta con ese comienzo arrollador y esa guitarra que sale con gran ritmo pasado el ecuador del tema, momento que la gente aprovechó para acompañar (nunca había visto eso) a la guitarra y haciéndole coro: “pa papapa”. Por su parte en “Drunkship of Lanterns” fue el momento, que recuerde, en el que Thomas Pridgen, la bestia a la batería, sacó todo lo que llevaba dentro. Aun no entiendo como ese hombre no murió en el intento. Genial.

Y llegó el momento más emotivo de la noche del que os hablaba antes. Era impensable, pero podría pasar, que se fueran sin tocar “Asilos Magdalena“. De repente, los componentes abandonaron el escenario, quedando sobre él Omar y Cedric acompañados de una segunda guitarra. Se sentaron en unos taburetes y, en acústico, tocaron esta canción. Se hizo el silencio, por primera vez, en la sala, hasta que comenzó la letra y todo el recinto acompañó con sus voces toda la canción. Sin duda se vio a un Omar Rodríguez (de origen puerto riqueño) bastante emocionado y dando las gracias al público. Por si alguien se había quedado con ganas de más acústico, vino seguidamente “Miranda That Ghost Just Isn’t Holy Anymore“. Otra magnifica canción que ponía los pelos de punta. Preciosa es el adjetivo.

Sólo disponían de tiempo para una canción más, y así lo hizo saber Omar. Se dice que la gente de “La Riviera” tenía prisa para echar a la gente y así poder ganar más dinero con el momento discoteca que vendría después. Por este motivo se quedaron sin tocar “Ilenya” y cerraron la noche con casi media hora de “Day of the Baphomets“.

En definitiva, Cedric Zavala es un torrente sobre un escenario y especial mención al momento en el que cogió una caja de cartón con botellines de agua, la vació y se la puso en la cabeza para cantar a través de ella, Omar Rodríguez-López es un genio a la guitarra y la sociedad Rodríguez-López/Bixler-Zavala es una de las mejores que hay en el actual mundo musical. Ojalá sigan así durante muchos años.

Por cierto, el concierto terminó a las 23.30 horas. Tres horas en el que en todo momento había alguien tocando en el escenario y sin interrupciones.

Desde el día que escribí aquella lejana entrada hablando de la canción “The heart ask pleasure first” que Michael Nyman, al que he tenido la suerte de ver en directo, compuso para la película “El Piano“, muchos han sido los correos que he recibido para ver si yo tenía la partitura de esa canción. Nunca conseguí dar con ella, hasta ahora.

Hace apenas unos días, me encontré de casualidad con esas notas tan deseadas por algunos. Por desgracia, a mi, por ahora, no me sirve de mucho, pero seguro que muchos de vosotros sabréis sacarle buen partido. Ya que me era imposible contestar ese goteo de correos electrónicos uno por uno, he decidido colgar en este humilde blog tal preciado objeto, o eso me habéis dado a entender.

Descargar partitura.

Desde siempre en esta ciudad, Murcia, ha habido una gran tradición de música metal, heavy, etc. La verdad es que se echaba de menos por estas tierras algo diferente, ya que estamos acostumbrados, por el sureste, a tener festivales del estilo Viña Rock (Yeste Rock, Lumbreras Rock, etc.).

Parece ser que la octava capital de España, está cogiendo otro ritmo últimamente, algo que celebro, ya que hacían falta alternativas. Y digo que está cogiendo otro aire porque se están “poniendo las pilas”. Ya es posible disfrutar de bastantes conciertos indies, y aunque son grupos bastante desconocidos para el público en general, no dejan de ser buenas bandas que se intentan hacer un hueco en el mundo de la música.

Esta primavera se celebrará en la capital del Segura el festival SOS 4.8, el cual contará con artistas internacionales como Kaiser Chiefs, Rufus Wainwright, The Chemical Brothers o Digitalism, entre otros.

No es un mal comienzo para hacerse un nombre y para que España vaya mirando a Murcia como una posible fuente de festivales fuera de la línea a la que nos tiene acostumbrados. Ahora habrá que ver la acogida y afluencia que tendrá esta reunión de artistas. Si todo sale bien, sería un buen paso adelante.

Caso aparte en nuestra Región es Lorca. Este municipio de 50.000 habitantes viene apostando bastante fuerte por la música. Si ya disponía desde hace años con el ya consagrado Lorca Rock, por donde han pasado bandas de la talla de Iron Maiden, Dream Theater, Marilyn Manson, etc., ahora esta localidad quiere apostar fuerte por Espirelia.

Si el año pasado ya trajeron a gente de la talla de Ennio Morricone, y a punto estuvieron de hacer lo mismo con la consagrada banda inglesa Placebo, este año no se quieren quedar cortos y han conseguido tener en sus filas a Bob Dylan (4 de Julio), una gran apuesta.

Por mi parte espero que esto siga así y esta ciudad llegue a convertirse en una fuente de música en un futuro no muy lejano.

En la lista que recopilé sobre discos que salen a la luz, y me interesan, para este año, puse el disco sucesor del álbum “Year Zero” de Nine Inch Nails. Pues ese trabajo ya está entre nosotros, y a mi me ha pillado, como se dice en lenguaje de la calle, “en bragas”.

Y digo eso porque ya conocía la existencia de “Ghosts”, así se llama lo nuevo que Trent Reznor nos trae, pero cuando me pasaron el enlace de descarga gratuita (ahora hablaremos de esto) pensé que sería un nuevo álbum de remixes, caras b, etc. y no le di mayor importancia hasta que Gallego, que siempre me tiene bien informado, me comunicó que era, oficialmente, lo nuevo de la banda norte americana.

Vayamos por partes porque hay mucho que contar sobre todo esto. Trent Reznor ha querido seguir el camino iniciando, a nivel de bandas consagradas, por Radiohead. De esta forma este “Ghosts” tiene una licencia Creative Commons de tipo Attribution Non-Commercial Share Alike. ¿Qué quiere decir eso? Pues básicamente que se nos está permitido editar y compartir la obra, siempre que no se use para fines comerciales y sin alterar la licencia original. No podemos hacer otra cosa que no sea aplaudir esta acción, en la que sin duda gana el consumidor final, es decir, nosotros.

En el sitio Web ghosts.nin.com tenemos 4 posibilidades de adquirir este trabajo:

1. Descarga gratuita que incluye los 9 primeros temas de las 36 canciones que componen el doble álbum. Es decir, Ghosts va dividido en 4 partes: Ghosts I hasta Ghosts IV. Con esta opción conseguiremos la primera de ellas. Incluye un libreto digital en PDF.

2. Obtener las 4 partes por 5 dólares.

3. Por el precio de 10 dólares podemos comprar la versión física del disco. Incluye 2 CDS con un libreto de 16 páginas. Hasta el 8 de Abril, aunque hagamos la compra ya mismo, no nos llegaría, pero se nos da la opción de descargar todas las canciones para que la espera se nos haga más corta.

4. En verdad son 5 las posibilidades de tener “Ghosts”, pero las dos últimas las he agrupado en una porque sus precios son de 75 y 300 dólares. Podéis leer sus características vosotros mismos.

Por ahora sólo he podido escuchar el primer volumen, Ghosts I, a la espera, ya estoy en trámites, de comprar el disco de forma física. Sobre esta primera parte, os puedo adelantar que este trabajo no se parece en casi nada a todo lo anterior de Nine Inch Nails. Todas las canciones son instrumentales, esto no me desagrada, y tienen un sonido bastante ambiental.

Para los más puristas de la banda, todo ello resultará muy extraño y muchos no lo encajarán con simpatía. Mi opinión es que veo bastante bien que haya siempre algo diferente, esa ovejita negra, en una discografía de todo grupo. Un disco con el que desconectar de los demás, pero sólo uno.

Aquí os dejo el primer tema de los 36, para que podáis apreciar que, aunque la línea seguida es diferente a todo lo anterior, la calidad compositiva es genial.

Cada día que pasa resulta más difícil que Internet nos sorprenda, parece que ya está todo descubierto. Gracias a los hermanos Linares, he visto que todavía hay cosas por ver.

¿Eres de los que le gusta pensar y recordar su pasado “friki”? Entonces Goon Tower es para ti. Se trata de un proyecto en el que cada colaborador introduce, en un gran edificio, su propio piso. De esta forma piso a piso se va completando la torre.

Lo mejor de todo es estrujarse un poco el coco, para averiguar a qué escena de videojuego, película, comic, dibujo animado etc., corresponde cada bloque. Aviso, que para descubrir al menos un 10% tienes que haber jugado bastante a grandes clásicos de videojuegos y haber visto películas muy míticas, leído comics, haber seguidos series de dibujos de antaño… en definitiva, tener un punto “friki” (si lo queréis llamar así).

En el edificio podemos encontrar guiños a las primeras aventuras gráficas de LucasArts, escenas de “Silent Hill”, la propia muerte de Aeris a manos de Sephirot en Final Fantasy VII, películas como la “Naranja Mecánica” o el “Dormilón” de Woody Allen e incluso otras escenas como la división regular del plano de Escher.

Estos son algunos de los ejemplos más fáciles de encontrar, pero hay muchos que sorprenderán y os arrancarán más de una sonrisa melancólica de recuerdos a tiempos pasados. También hay reseñas a acontecimientos de Internet, como la famosa fotografía de “Goatse”, que seguro que muchos mandasteis a algún amigo para darle una “sorpresa”.

Si después de haber revisado Goon Tower de arriba a abajo, o de abajo a arriba, os quedáis con ganas de más, podéis pasaros por www.mrwong.de/myhouse y feels.ru/pixel/pixel.html, aunque no tienen el mismo encanto.

El otro día me recomendaron esta película y decidí ponerla en descarga, no os voy a decir que fui al cine porque sería mentira, para verla en cuanto estuviera lista. Al no esperarme nada de ella, ni haber leído argumentos, salvo dos líneas, ni críticas, etc. me encantó.

Después de haber leído esto, parecerá que es la película del siglo y puede ser que cuando la veáis penséis que tampoco es para tanto, pero tuvo algo que me llegó, que terminas de verla y quieres más. Aunque yo para el cine soy algo especial, tenedlo en cuenta, pues, por ejemplo, creo que soy el único sobre la faz de la tierra que vio Matrix y dijo “pues bueno… otra película más vista”.

Bien, entrando en materia, lo que más me llamó la atención en Juno, se lee “yuno” ^^, son los diálogos. La verdad es que ese toque de sarcasmo es genial, y sobre todo en la protagonista, de 16 años, Juno Macguff (Ellen Page). Es una chica ingeniosa, culta, de veloces respuestas y una mezcla de inocencia e ironía.

Juno mantiene una relación con su novio del instituto, y queda embarazada. A partir de este momento tiene que tomar una decisión sobre el futuro niño. Su padre y madrastra, que huye del viejo estereotipo de mujer arisca con los hijos del padre, estarán de acuerdo con la decisión de su hija, que será dar al niño en adopción. A partir de ese momento habrá que buscar a los padres adoptivos perfectos, cosa que parece, en un primer momento que sucede.

Algo que sorprende es que en el argumento se huye de dramatismos y tremendismos para mostrar la situación. En cualquier familia de la calle no habría un padre tan comprensivo y sosegado, ni una chica con 16 años tan madura, ni una pareja adoptiva como la de la película, ni una madre tan “enrollada”. Pienso que tiene un punto de ciencia ficción bastante utópico y que ni de lejos las cosas pasarían así en la realidad. En mi opinión, peca, un poco, de ser demasiado bonita.

No quiero terminar, sin hacer una pequeña reseña a la banda sonora de la película, que aparte de acompañar a la acción, está bastante bien y tiene un toque muy “indie”.

Hacía tiempo que me apetecía leer un libro como éste, pero siempre he tenido el prejuicio de que este tipo de novelas son tostones y páginas infumables sobre temas como la metafísica, moral, la vida, filosofía, etc. Gracias a una acertada recomendación por parte de un personaje, he conseguido quitarme estos prejuicios inútiles.

Demian es una novela psicoanalítica. A mi esta palabra, psicoanálisis, me resulta muy bonita, culta, estética… y todos los adjetivos positivos que queráis ponerle, pero no me dice nada si el contenido no es bueno. No leo libros, ni veo películas, ni escucho discos sólo para luego soltar un mitin sobre eso y creerme la persona más sabia y culta del mundo, al revés… me gusta usar el lenguaje de la calle, que me resulta más cercano y no nos vamos a rasgar las vestiduras por darle uso.

El libro de Hermanm Hesse está orientado a la búsqueda de nuestro propio destino, pero para aquellos que no crean en el destino, no importa, también abarca temas sobre la moral, la religión, el amor y la amistad. Y no es que pase rozándolos, sino que se abordan de lleno en ellos.

Se habla de la trayectoria en la vida, como pasamos de estar en el nido familiar, protegidos y sin apenas preocupaciones, a tener que tomar decisiones y “romper el cascarón”, para crearnos como personas, todo ello comparando entre dos mundos: el mundo luminoso y el de la oscuridad. Todo ello bañado en el sentimiento de la amistad hacia otras personas, que son las que nos acompañarán en nuestro camino.

Creo yo, que en un libro de estas características es fundamental que contenga como base un buen relato, siempre que quiera llegar a un público más amplio. Demian, lo tiene. En la portada podemos leer “Historia de Emir Sinclair”. A través de este muchacho, desde su infancia hasta su etapa en la Universidad, el autor nos mantiene expectantes con la historia, haciendo que no decaiga en ningún momento. Hacía tiempo que no leía un libro así tan regular. En otras ocasiones las lecturas me parecían constantes altibajos, más o menos interesantes según el momento en el que atravesaba la narración.

Aunque a decir verdad, en lo que menos pensé cuando lo terminé, fue en su historia. Hay que ver más allá, los que os decidáis a leerlo.

Hay quien defiende firmemente que no escucha música en otro idioma que no sea el suyo porque dice que si no entiende la letra la canción no le dice nada. Sinceramente, siempre me ha sorprendido, incluso cabreado, esta afirmación.

Comprendo que una canción es música y letra, en distinta proporción, tal vez. El ideal utópico, curioso epíteto que me he marcado, sería que la canción transmitiera un buen mensaje a través de una melodía cuidada, con una construcción no carente de sentido, como está de moda en estos tiempos en los que las producciones son tan rápidas para evitar que se pase la racha de éxito se publican discos como rosquillas, sin cuidar letra ni música.

Pero no entender o no saber pronunciar lo que se está diciendo, no significa que una canción no exprese.

Os voy a poner un ejemplo:

Si el esperanto fue un frustrado intento de globalizar la comunicación humana a través de un idioma que se pudiera entender en todo el mundo, no ha corrido la misma suerte un nuevo dialecto que desgraciadamente pocas personas saben interpretar como tal.

¿Han oído alguna vez hablar del Hopelandish? ¿O quizá del Vonlenska?

Quizá les esté sonando a chino, o a cualquier idioma de esos que no manejan y no les expresen nada. Siento comunicarles que probablemente se equivocarán si han pensado que no serían capaces de entender una canción cantada en ese idioma.

Para demostrárselo, hagamos un guiño al empirismo, que para eso está, oiga, escuchen esto:

¿Saben lo que está cantando? Yo tampoco, lo reconozco, pero tengo los pelos de punta. He captado lo que me querían transmitir.

Cuando la música consigue emocionarte, entonces te transmite.

En chino, en ruso, en alguna lengua muerta tibetana…¿Qué más da?

El propio cantante de Sigur Rós, Jónsi, (dios, hagan el favor de bajarse su discografía), lo expresa claramente : “en los conciertos vemos gente cantando las canciones. Siempre nos preguntamos qué estarán cantando, si no saben lo que estamos diciendo… Es una prueba más de que lo verdaderamente importante no son las letras, sino la melodía”