Yo a veces, sinceramente, no sé en que piensan las personas que están al mando de una campaña publicitaria en una película, y si saben lo que están vendiéndonos, porque, si no llega a ser por una recomendación personal, esta película, de la cual ya tenía conocimiento hace bastante tiempo, hubiera pasado por delante de mi y ni me habría molestado en ver la carátula (que es lo que había hecho hasta el día de hoy).

Crash es esa película que parece la típica estado unidense de resolver casos policiales y persecuciones interminables. Lejos de ello, este drama centra su atención en unos de los problemas del mundo y en concreto, en este caso, de EEUU, el racismo. La acción se sitúa en la ciudad de Los Ángeles donde un puñado de historias, que parecen paralelas, terminan entrecruzándose entre sí.

No se intenta caer en estereotipos. No aparece el típico hombre de raza negra siendo el mártir y tampoco el hombre blanco adquiriendo una postura racista. Tampoco ocurre eso pero al revés, que el de color sea el asesino y el de blanco el policía bueno. En este film no hay lugar a todo ello, pues todos están en cada lado y los giros de guión son constantes para que no hagamos prejuicios. Y sobre eso, sobre los prejuicios, se hace hincapié, con el fin de llegar a la reflexión de que no todo lo que vemos a primera vista es lo que parece. Si os dejáis llevar notaréis esto y la misma trama os irá sorprendiendo mientras observáis cosas que no esperabais que ocurrieran.
Quizás le sobren un par de momentos que parecen metidos con calzador para emocionar de una forma fácil al espectador como, por ejemplo, tirando del recurso de la mirada perdida en el horizonte entre otros.

Sorprendido me quedé al ver algunos actores, como Sandra Bullock o Matt Dillon, en esta película que requiere una gran interpretación para no empañar la idea principal. A la altura están, sobre todo el segundo, el cual nunca me hizo mucha gracia hasta ahora.
La música acompaña bastante bien las escenas. El tema principal me parece acertadísimo. Parece una tontería, pero en muchas películas una mala elección de ésta hace que la idea del director no llegue a calar como él quisiera en el espectador.

El otro día me recomendaron esta película y decidí ponerla en descarga, no os voy a decir que fui al cine porque sería mentira, para verla en cuanto estuviera lista. Al no esperarme nada de ella, ni haber leído argumentos, salvo dos líneas, ni críticas, etc. me encantó.

Después de haber leído esto, parecerá que es la película del siglo y puede ser que cuando la veáis penséis que tampoco es para tanto, pero tuvo algo que me llegó, que terminas de verla y quieres más. Aunque yo para el cine soy algo especial, tenedlo en cuenta, pues, por ejemplo, creo que soy el único sobre la faz de la tierra que vio Matrix y dijo “pues bueno… otra película más vista”.

Bien, entrando en materia, lo que más me llamó la atención en Juno, se lee “yuno” ^^, son los diálogos. La verdad es que ese toque de sarcasmo es genial, y sobre todo en la protagonista, de 16 años, Juno Macguff (Ellen Page). Es una chica ingeniosa, culta, de veloces respuestas y una mezcla de inocencia e ironía.

Juno mantiene una relación con su novio del instituto, y queda embarazada. A partir de este momento tiene que tomar una decisión sobre el futuro niño. Su padre y madrastra, que huye del viejo estereotipo de mujer arisca con los hijos del padre, estarán de acuerdo con la decisión de su hija, que será dar al niño en adopción. A partir de ese momento habrá que buscar a los padres adoptivos perfectos, cosa que parece, en un primer momento que sucede.

Algo que sorprende es que en el argumento se huye de dramatismos y tremendismos para mostrar la situación. En cualquier familia de la calle no habría un padre tan comprensivo y sosegado, ni una chica con 16 años tan madura, ni una pareja adoptiva como la de la película, ni una madre tan “enrollada”. Pienso que tiene un punto de ciencia ficción bastante utópico y que ni de lejos las cosas pasarían así en la realidad. En mi opinión, peca, un poco, de ser demasiado bonita.

No quiero terminar, sin hacer una pequeña reseña a la banda sonora de la película, que aparte de acompañar a la acción, está bastante bien y tiene un toque muy “indie”.

Hacía tiempo que no veía una película tan cruda como “Ciudad de Dios”. Os pongo en situación: Basada en hechos reales, el film cuesta la historia de la expansión del crimen organizado en los suburbios de la ciudad de Río de Janeiro, desde los años sesenta hasta los ochenta. Época en la que no existía ley, y la poca que había la imponía el tráfico de drogas y la violencia en las favelas.

Estamos acostumbrados en ver Brasil como un paraiso de playas, sol y gente guapa. Si sois de los que pensáis así, por favor tenéis que ver esta película, que está. Es dura, pero sus toques de humor en momentos puntuales ayudarán a los más sensibles a llevarla un poco mejor.

El argumento entrelaza constantemente la historia de cada uno de los personajes que van apareciendo en escena, y conforme vayamos avanzando en la visualización iremos atando cabos. A pesar de la crueldad de muchos de estos personajes, veremos en todos su faceta más humana. El director consigue esto de una forma genial, haciendo que incluso nos “encariñemos” con uno de ellos que no deja de ser un mafioso y la mano derecha del más sanguinario de la película.

Buscapé, el protagonista (si es que de verdad hay un protagonista por encima de los demás) y narrador de la trama, es un chaval cuya ilusión es la vida es ser fotógrafo y quiere llegar a ello sea como sea. Es su sueño. A través de él, Fernando Meirelles, el director, pretende mostrar que nada es imposible si nos lo proponemos y que jamás perdamos la esperanza de lograr aquello que queremos.

La frase “quien esté libre de pecado que tire la primera piedra” podría servir para un perfecto resumen. La violencia de “Ciudad de Dios”, que es bastante, nunca es gratuita. Es necesaria y acorde con la trama en cada momento. Por su parte, todos los personajes son perfectos, y eso que todos son chavales jóvenes. No se cae en el estereotipo fácil de niños marginados.

Una obra maestra, y que bien puedo introducirla entre mis diez películas favoritas que he visto en toda mi vida. Recomendada para todos, no os defraudará, os lo aseguro.

Hacer un corto puede ser incluso más complejo que un largometraje. Supongo que puede parecer contradictorio, pero expresar algo con principio, nudo y desenlace en pocos minutos y que no parezca una obra de fin de curso en un colegio es tarea complicada.

A los que les gusta el género de los videoclips (los bien hechos, claro, porque hay cada bazofia de 3 minutos y medio por ahí suelto) pueden encontrar en los cortos esa parte de historia que a veces les falta.

Este es el caso. 10: 46 minutos. Un palíndromo: algo en lo que no se sabe cuál es el principio y el final. l a r u t a n a t u r a l.
Ya desde el nombre y su juego de letras nos adelanta cosas. Este corto que Alex Pastor publicó en 2004, (que para ser un proyecto de fin de carrera parece que no le salió nada mal), ha ganado varios premios en los últimos años.

Ustedes dirán si la historia de Divad y Arual les deja o no indiferentes. Yo sólo les lanzo una pregunta, retórica por supuesto:

¿Quién no ha soñado nunca con vivir una vida marcha atrás?

Lo primero que tengo que advertir, y por ello he puesto en el título de esta entrada el nombre del director, es que no confundamos esta película con la de “Noviembre Dulce”, la cual pienso que es bastante mala, así que centrémonos en “Noviembre”, a secas.

¿Quién dijo que en España no hay buenos actores? Creo que si alguien lo duda debería verse esta película. Encabeza el reparto Oscar Jaenada, seguido de Ingrid Rubio, y con esta cantera, nos quedan buenos ratos de cine español para largo.

En un mundo donde todo se hace por obtener algo a cambio, unos jóvenes actores de teatro deciden actuar por amor al arte, y nunca mejor dicho, ya que se oponen a ganar dinero por hacer lo que más les gusta. Buscan la manera de llegar a la gente en la calle, sin grandes cortinas rojas, sin focos, sin mucho presupuesto y a veces de una forma radical. La idea puede parecer bastante utópica, pues es muy bonita pero no da de comer. Lejos de ahí lo que la película pretende mostrarnos es que el arte está en cualquier sitio y todavía hay personas que huyen de la idea de hacer música, teatro, cine, etc., con vistas a que en un futuro poder obtener beneficios.

Este “film” está realizado como si de un documental se tratara, pues los personajes del mismo, ya mayores, aparecen contando la historia como cualquier abuelo que narra algún relato a su nieto. Eso le da ese toque de documental, que realmente, me parece a mí, es bastante acertado, ya que llega más directo al público.

“El arte es un arma cargada de futuro”, una frase que resume la película. “Noviembre” es una película que te gustará u odiarás, creo que no hay término medio, como ocurre en muchas otras. Lo mejor que se puede hacer es juzgarla por uno mismo y sacar sus propias conclusiones, seguro que a más de uno no le importará volver a verla pasado un tiempo.